Résumés et présentations
des auteurs

Miriam Handley, « Flying the Feather. George, Prince of Wales and the Performance of Masculinity on the Late-Eighteenth-Century Stage »

Miriam Handley donne des cours de littérature anglaise à CIEE (Londres) et a dirigé le département de théâtre de l’université de Sheffield. Elle est spécialiste de littérature des xviiie et xixe siècles et prépare un ouvrage sur les indications scéniques. Elle est également l’auteur d’articles.

Lorsque George, le prince de Galles, fit ses débuts à la fin des années 1770, « il ressemblait », comme l’observe la duchesse de Devonshire, « à une femme dans des habits d’homme ». Il lui sembla qu’il était un acteur déguisé. L’article retrace le rôle tenu par le prince. Il dépeint l’histoire de son emblème : la plume d’autruche. À la fois symbole et accessoire, celle-ci révèle la position difficile tenue par le prince, au regard des débats sur le genre, la politique et l’esclavage à la fin du xviiie siècle.

When George, Prince of Wales, made his debut at the end of the 1770s, the Duchess of Devonshire observed, “he looks like a woman in man’s cloaths”. She understood him as a cross-dressed actor. This article maps the Prince’s role by charting a narrative of his emblem, the white ostrich feather. As a symbol and a prop, the feather exposes the Prince’s difficult place in late-eighteenth-century discussions of gender, politics and slavery.

Grainne O’Hare, « The Art of Gossip. Stage, Satire, and Emasculation in The School for Scandal »

Grainne O’Hare est doctorante à l’université de Newcastle. Sa recherche porte principalement sur la culture de la célébrité à la fin du xviiie siècle, et plus particulièrement sur la construction de l’image publique de la femme dans les médias imprimés. Son intérêt pour les femmes célèbres ou scandaleuses, va des prostituées Harriette Wilson et Margaret Leeson, aux mondaines du « Devonshire House Circle ».

Cet article examine la signification et l’impact de l’économie du commérage au xviiie siècle dans The School for Scandal de Richard Brinsley Sheridan. Se concentrant non seulement sur le contexte propre à la pièce, mais aussi sur le contexte social qui, globalement, accompagna la réception de la pièce, il évalue si la pièce, à travers l’interprétation de la célébrité et de l’aristocratie, renforce ou non la séparation entre la sphère masculine publique et la sphère privée féminine.

This article examines the significance and impact of an emerging eighteenth-century gossip economy in Richard Brinsley Sheridan’s The School for Scandal. Focusing not only within the context of the play, but also in terms of the broader social context in which the play was first received, it assesses whether the play, through its rendering of the celebrity and aristocracy celebrity, essentially enforces the separation of the masculine public and feminine private spheres.

Andrea Christmas, « Conscription in the Orchestra. Militarization and Masculinity at the Paris Opéra, 1789–1814 »

Andrea Christmas est doctorante en histoire à l’université Northwestern (Illinois, États-Unis). Sa thèse, intitulée « Choréographier le désir : sexualité et citoyenneté à l’Opéra de Paris, 1789-1848 », examine les changements de normes en matière de genre et de sexualité, sur scène et hors-scène à l’Opéra de Paris au cours de la Révolution et au début du xixe siècle.

Cet article examine l’impact de la Révolution et des guerres napoléoniennes sur la programmation et le personnel à l’Opéra de Paris. L’administration de l’Opéra dut, au cours de deux décennies de combat, participer à l’effort de guerre tout en veillant à ses productions artistiques. Nombre de ses jeunes artistes furent contraints de s’enrôler dans l’armée. L’influence générale d’une masculinité martiale explique en partie pourquoi l’Opéra finit par perdre en prestige.

This article examines the effect the Revolutionary and Napoleonic wars had on both the programming and personnel at the Paris Opéra. Over two decades of continuous warfare, the Opéra administration catered its artistic output toward the military, and many of its young artists were conscripted into the army. Ultimately, it argues that the Opéra lost its prestige position within French culture, in part due to the pervasive influence of martial masculinity.

Maialen Berasategui, « Les transgressions paradoxales. Masculinités et âges dans les théâtres d’enfants sous la monarchie de Juillet »

Maialen Berasategui est journaliste et historienne. Elle a obtenu le prix Mnémosyne en 2009 pour La Comtesse de Ségur ou l’art discret de la subversion (Rennes, 2012). Ses recherches portent sur l’histoire des enfants et l’âge comme catégorie d’analyse. Elle tient une chronique radiophonique mensuelle consacrée à ces questions.

À partir d’un corpus de pièces essentiellement jouées dans des théâtres d’enfants sous la monarchie de Juillet, cet article propose d’analyser les enjeux liés à l’appropriation de pratiques ou d’attributs de la masculinité par les jeunes garçons, à un moment où les hommes adultes en revendiquent le monopole. Elles révèlent une évolution des rapports de pouvoir héritée de la Révolution, ainsi que les dimensions performatives de la masculinité et de l’appartenance à une classe d’âge.

Based on a collection of plays mostly staged at children’s theatres during the July Monarchy, this study aims to analyze the issue of the reclaim of practices or attributes of masculinity by adult men, and their appropriation by young boys. It shows how the French Revolution influenced the ratio of power between these categories, as well as the performativity of masculinity and one’s belonging to an age group.

Georges Zaragoza, « La masculinité dans le drame hugolien »

Georges Zaragoza est professeur émérite et spécialiste du romantisme européen (théâtre et opéra). Il a publié Faire jouer l’espace dans le drame romantique européen, essai de dramaturgie comparée (Ferney-Voltaire, 1999), Héroïsme et marginalité, le crépuscule du héros (Pornic, 2002), Le Personnage de théâtre (Parus, 2006) et Dramaturgie hugolienne, Hernani, Ruy Blas (Nantes, 2008).

Le théâtre de Victor Hugo comporte une majorité de personnages masculins ; peut-on, à partir de leur représentation, percevoir des traits communs qui permettraient d’appréhender en quels termes, à partir de quels critères, l’imaginaire hugolien élabore un certain portrait de la masculinité ? C’est à partir d’une notion dynamique celle de désir que l’analyse de quelques portraits d’hommes conduit, par leur ressemblance, leur opposition, leur complémentarité, à cerner cette masculinité dramaturgique.

The majority of characters in Victor Hugo’s plays are male. Can we, based on how they are represented, identify common traits that would allow us to understand in what sense and according to what criteria Hugo’s imaginary develops a certain 372portrait of masculinity? A dynamic concept, desire, leads us to analyze a number of portraits of men, allowing us to define this dramaturgical masculinity in terms of who and what they resemble, their differences, and their complementarity.

Benedetta De Bonis, « Œdipe n’est pas roi. La crise de la masculinité dans l’œuvre d’Henry Bauchau et de Michèle Fabien »

Benedetta De Bonis est docteure en littérature comparée à l’université de Bologne. Sa thèse Métamorphoses de l’image des Tartares… (Bruxelles, 2018), a été réalisée grâce à une collaboration entre les Archives et musée de la Littérature (Bruxelles) et le Centre national de la recherche scientifique (Paris). Elle étudie le théâtre belge et la présence des mythes grecs et mongols dans la littérature européenne.

Cette contribution vise à explorer l’interprétation qu’Henry Bauchau et Michèle Fabien font du mythe œdipien dans la deuxième moitié du xxe siècle. Elle essaye de démontrer que l’œuvre dramaturgique et romancière des deux écrivains belges est marquée à la fois par la remise en question de l’axiologie masculine traditionnelle, liée aux concepts de violence, pouvoir et paternité, et par l’émergence d’un nouveau système de valeurs féminin.

This article aims to analyse the interpretation of Œdipal myth done by Henry Bauchau and Michèle Fabien in the second half of the 20th century. It tries to prove that the plays and novels written by the two Belgian authors are characterised both by the critique of traditional male axiology, focusing on the concepts of violence, power and paternity, and by the emergence of a new female system of values.

Gabriella Serban, « Trois dynamiques de représentation des mutations des masculinités. Le cas du théâtre colombien »

Gabriella Serban est en 3e année de doctorat en section 14 au laboratoire LLA/CREATIS de l’université Toulouse – Jean Jaurès. Sa thèse, sous la direction d’Emmanuelle Garnier porte sur les masculinités dans le théâtre colombien et ses recherches s’étendent plus globalement aux représentations de genre dans les arts représentatifs. Elle est lauréate du concours de l’agrégation d’espagnol, session 2014.

Le théâtre colombien contemporain se nourrit de mutations relatives aux modèles traditionnels de virilité, remis en cause car considérés en grande partie responsables de violences sociales. En considérant le théâtre comme reflet et laboratoire des interrogations de la société contemporaine, cet article analyse la façon dont se traduit sur la scène cette transition des masculinités à 373travers l’analyse de trois œuvres : Viudas o la Felicidad tal vez sí existe, Purgatorio Express et A fuego lento.

Contemporary Colombian theater has drawn inspiration from changes in traditional models of masculinity, which have been called into question because they are in large part responsible for social violence. By considering the theater as a reflection of and laboratory for questions being confronted by contemporary society, this article analyzes how this transition undergone by various masculinities is reflected on stage through the analysis of three works: Viudas o la Felicidad tal vez sí existe, Purgatorio Express, and A fuego lento.

Matthias Eck, « Theatre and the Stage as an Arena for Male Gender Fantasies »

Matthias Eck a obtenu son doctorat à l’université de Saint-Andrews (2016). Sa thèse portait sur les masculinités dans la littérature contemporaine de langue germanique et les stratégies d’évasion. Il a récemment publié un article, « Memory and Jewish Masculinities in Works by Doron Rabinovici and Arno Geiger », dans Austrian Studies.

Cet article montre que le théâtre peut être une arène de la critique du genre et de la fantaisie du genre. Il peut critiquer les images traditionnelles des hommes et les respecter. L’article analyse deux pièces du théâtre allemand contemporain, Die Beißfrequenz der Kettenhunde d’Andreas Marber et Kommt ein Mann zur Welt de Martin Heckmanns ainsi que l’histoire Der Ausweg de Daniel Kehlmann, qui mettent en scène des personnages masculins tiraillés entre des attentes contradictoires en matière de masculinité.

This article argues that theatre can be the arena for gender critique and gender fantasy, criticize traditional images of men and uphold them. It also discusses two contemporary German plays, Die Beißfrequenz der Kettenhunde by Andreas Marber and Kommt ein Mann zur Welt by Martin Heckmanns and the story Der Ausweg by Daniel Kehlmann which stage male characters that struggle with the contradictory expectations on masculinity.

Audrey Gilles-Chikhaoui, « Figures masculines et langue virile dans Le Laquais de Pierre de Larivey »

Audrey Gilles-Chikhaoui est spécialiste de la littérature française de la Renaissance et de l’étude des femmes, des genres et des sexualités. Après une thèse intitulée « D’une voix l’autre : plaisirs féminins dans la littérature française de la Renaissance » (2013), elle s’intéresse aux représentations du masculin et à l’œuvre de Marc Papillon de Lasphrise.

Le Laquais de Pierre de Larivey (1579) est une pièce adaptée d’une comédie italienne de Lodovico Dolce. Elle donne à lire des représentations variées mais instables du masculin, père et maître sans autorité, amoureux passifs, laquais travesti en femme tout en développant une écriture dramatique virile qui compense les valeurs masculines dévoyées.

Le Laquais is a play by Pierre de Larivey (1579) which was adapted from an Italian comedy by Lodovico Dolce. It attempts to give an outline of the variety of masculinity but in some unstable ways: father and master without authority, passive young lovermen, travestite lackey. Yet, Larivey’s virile writing tends to rebalance those problematic masculine representations.

Hendrik Schlieper, « Mort et renaissance du héros tragique. Hercule mourant de Rotrou »

Hendrik Schlieper est maître de conférences (Juniorprofessor) en littérature et culture comparées à l’université de Paderborn. Il a récemment publié : La Querelle du Cid : la naissance de la politique culturelle française au xviie siècle (éd. avec J. Steigerwald), Œuvres & Critiques, vol. 40, 2015 ; « La virilité dans Iphigénie selon Racine », Littératures classiques, vol. 90, 2016.

Partant de l’interférence entre le genre (littéraire) de la tragédie et genre (gender), cet article étudie Hercule mourant de Rotrou (1634). Pendant que l’Hercule mythologique est l’incarnation d’une virilité forte (andreia), l’Hercule de Rotrou se trouve à l’épreuve – à la guerre comme à l’amour. En renaissant en tant que héros à la fois viril et tendre, ce protagoniste répond au goût d’un public galant et se transforme en caractère idéal de la tragédie d’amour classique.

Considering the interference between the tragedy as a (literary) genre and gender, this article deals with Rotrou’s Hercule mourant (1634). Whereas the mythological Hercule is the incarnation of a strong virility (andreia), Rotrou’s Hercule finds himself tested–in war and in love. Being “reborn” as a virile and tender hero, this protagonist appeals to the taste of a gallant public and becomes the ideal character of the classical love tragedy.

Caroline Mounier-Vehier, « Néron ou la masculinité paradoxale d’un rôle de castrat dans un opéra vénitien du xviie siècle. L’Incoronazione di Poppea, Monteverdi et Busenello »

Caroline Mounier-Vehier est agrégée de lettres modernes et doctorante en arts du spectacle à l’université Caen – Normandie. Elle prépare une thèse sur la dramaturgie 375des opéras vénitiens de Monteverdi et de Cavalli sous la direction d’Anne Surgers (professeur en Arts du spectacle, université Caen – Normandie) et de Xavier Bisaro (professeur en Musicologie, CESR de Tours).

Le rôle de Néron, dans L’Incoronazione di Poppea, est composé pour un castrat. Ce choix peut sembler paradoxal pour un personnage qui est à la fois un homme de pouvoir et un amant. À partir de sources du xviie siècle et de mises en scène contemporaines, cet article étudie la masculinité paradoxale de Néron en montrant comment elle permet d’interroger la définition du masculin et son association avec les attributs traditionnels de l’autorité et du pouvoir dans la société occidentale.

The part of Nero, in L’Incoronazione di Poppea, is written for a castrato. This choice may seem paradoxical for a character who is at the same time a man of power and a lover. Based on seventeenth century sources and contemporary stage productions, this paper studies Nero’s paradoxical masculinity, showing how it allows questioning the definition of the masculine and its association with the traditional attributes of authority and power in Western society.

Hélène Jaccomard, « « Art » de Yasmina Reza ou ‘l’immense vulnérabilité’ du masculin »

Hélène Jaccomard est professeure d’études françaises à l’university of Western Australia et spécialiste du théâtre contemporain. Elle a publié Les Fruits de la passion : le théâtre de Yasmina Reza (Bruxelles, 2013), et récemment « L’humour comme arme : Dieu du carnage de Y. Reza », French Cultural Studies (2016) et « Domestiquer le traducteur : God of Carnage de Y. Reza », MonTi (2017).

Dans « Art » (1994), Yasmina Reza met en scène trois hommes qui se comportent comme ceux étudiés par Pierre Bourdieu dans La Domination masculine (1998). Ils sont en compétition les uns avec les autres, déployant leur énergie à affirmer leur virilité et s’investissant dans des entreprises attestant de leur masculinité. Pourtant, un conflit en apparence futile menace leur amitié et signale l’irruption de la modernité, métaphore pour « l’immense vulnérabilité » du masculin qu’a analysée le sociologue.

In « Art » (1994) Yasmina Reza has three male characters behaving like those studied by Pierre Bourdieu in La Domination masculine (1998). They are competing with each other, and exert themselves in asserting their virility as they also engage in activities attesting their masculinity. However an apparently futile conflict threatens 376their friendship and signals the emergence of modernity as a metaphor for the “profound vulnerability” of masculinity analysed by the sociologist.

Ulysse Caillon, « Confessions masculines. Quelle(s) masculinité(s) dans les solos autobiographiques d’hommes au théâtre ? »

Ulysse Caillon est doctorant à l’université Lumière – Lyon 2, au sein du laboratoire IHRIM, sous la direction d’Olivier Neveux. Ses recherches portent sur l’intime dans le théâtre contemporain européen. Il a publié en 2015 dans la revue Degrés un article portant sur les « technologies de l’intime » dans le théâtre de Fabrice Murgia.

Cet article analyse la façon dont le solo autobiographique met en jeu la question de la masculinité. Il s’interroge en particulier sur le choix de cette forme par des sujets « marginalisés », notamment du point de vue de la sexualité, afin de mettre en lumière leur rapport à la masculinité « hégémonique » théorisée par Raewyn Connell. Il étudie ainsi comment les normes de genre y sont reconduites ou subverties au moyen de trois axes d’analyse : le récit, l’incarnation et l’humour.

This article examines the way the autobiographic solo brings into play the question of masculinity. It puts further emphasis on the choice of this form by “maginalized” subjects, especially in the field of sexuality, in order to highlight their relation to “hegemonic” masculinity theorized by Raewyn Connell. It explores how gender norms are repeated or subverted in these solos through three axes of analysis: narrative, incarnation and comedy.

Fernando López Rodríguez, « La construction du tablao à partir du regard masculin hétérosexuel »

Fernando López Rodríguez est philosophe, danseur flamenco et chorégraphe. Il est l’auteur de Espejismos de la identidad coreográfica: estéticas y transformaciones de la farruca (Madrid, 2015) et De puertas para adentro: disidencia sexual y disconformidad de género en la tradición flamenca (Madrid, 2017). Il est actuellement doctorant en danse à l’université Paris 8 – Vincennes – Saint-Denis.

Le tablao est un type de local où on commercialise des dîners-spectacle de danse, chant et guitare flamenco. Cet article montre comment la pluralité de ces éléments fonctionne suivant une logique hétéro-patriarcale et comment ce fonctionnement s’auto-reproduit de manière automatique grâce à la mise en place de certains mécanismes socioéconomiques et psychologiques.

The tablao is a club where flamenco dance and music shows are offered. This paper demonstrates how the different elements of the tablao work together following a hetero-patriarchal logic and how this logic is reproduced using certain socio-economic and psychological mechanisms.

Julien Daillère, « Témoignage. La petite fille moche était barbu/e »

Julien Daillère est acteur et metteur en scène. Il est l’auteur de plusieurs pièces de théâtre dont Shakespeare and Cervantes et Suis-je donc… ? (Le Revest-les-Eaux, 2016). Il a produit le spectacle Les Contes de la petite fille moche (2008) et Je ne suis pas ta chose (2010). Il prépare un doctorat à l’university of Arts of Târgu Mureş (Roumanie) et à l’université de Cergy-Pontoise (France).

De 2006 à 2016, dans le spectacle Les Contes de la petite fille moche, j’ai interprété seul sur scène, avec mon corps et ma voix d’adulte, sept personnages d’enfants : quatre filles et trois garçons d’environ huit ans. Dans un contexte où les personnages d’enfants, quel que soit leur sexe, sont très souvent joués par des femmes, ce travail m’a profondément interrogé sur les enjeux du corps de l’homme dans la représentation de l’enfant au théâtre.

From 2006 to 2016, in the theatre play Les Contes de la petite fille moche, I performed alone on stage, with my adult body and voice, seven children characters: four girls and three boys, aged about eight. In a context where children characters, whatever their sex, are very often played by women, this work deeply questioned me about the challenges related to a man’s body for the representation of children in the theatre.

Lorraine Alexandre, « Fragments. Pour une décomposition des archétypes de genre »

Lorraine Alexandre est artiste plasticienne et chercheuse, docteure en art et sciences de l’art mention arts plastiques. Spécialisée en photographie performative, elle interroge les modes de mises en scène et de réappropriations formelles du corps dans l’ensemble des arts. Elle a publié Les Enjeux du portrait en art. Étude des rapports modèle, portraitiste, spectateur (Paris, 2011).

Cet article analyse une série de photographies et le spectacle dont elle s’inspire. Tous deux décortiquent des stéréotypes de genre dans les arts de la scène sous un angle à la fois hyperbolique et critique. Ce travail convoque également la question de l’homosexualité et se joue des codes socioculturels des relations de genre et use des archétypes virils pour mieux les interroger. 378Ce texte propose une approche pluridisciplinaire soulignant la transversalité entre arts plastiques, arts du spectacle et théorie.

This article analyzes a series of photos and the show by which it is inspired. Both analyse stereotypes of gender in performing arts under an at the same time hyperbolic and critical angle. This work also summons the question of the homosexuality and deceives sociocultural codes of the relations of gender and use virile archetypes to question them better. This text proposes a multidisciplinary approach underlining the cross-cutting approach between plastic arts, performing arts and theory.

Lorraine Alexandre, « Entretiens »

Julien Fanthou et Gérald Elliott évoquent leur parcours professionnel ainsi que la mise en scène de la masculinité dans leur spectacle Le Goujon folichon. Denis D’Arcangelo discute quant à lui de la question du genre et de ses ambiguïtés, à travers notamment le personnage qu’il a créé et qu’il incarne sur scène : Mme Raymonde.

Julien Fanthou and Gérald Elliott talk about the direction their careers have taken as well as the staging of masculinity in their show Le Goujon folichon. And Denis D’Arcangelo discusses the question of gender and its ambiguities, especially the way these are refracted through the character he has created and embodies on stage: Mme Raymonde.